LAS CASAS DE MUÑECAS NO ERAN UN JUGUETE 1ª Prte.

La historia de las casas de muñecas se remonta al siglo XVI. En 1557, el duque 
Alberto de Baviera

Ordenó una copia en miniatura de una de las residencias reales. Familias adineradas 
adoptaron la idea en los siglos XVII y XVIII y realizaron también copias de sus casas.
Estas piezas individuales eran suntuosas obras de arte en miniatura. 
No estaban destinadas a ser utilizadas como juguetes, sino para demostrar el prestigio y 
la reputación del propietario.

CASA DE MUÑECAS MEXICANA 

La producción en serie de casas de muñecas se inició en la segunda mitad del siglo XIX. 
Será el momento en el que los padres comenzaran a utilizar las casas de muñecas para la educación social de sus hijos. 

Hasta llegar al día de hoy que es un juguete, no exento de artesanía.

Algunas de estas casas de muñecas tomó más de 20 años para construir y terminó 
siendo tan caro como casas reales.
Interior de una casa de muñecas

Aparte de su encanto pintoresco, son un registro histórico de la vida diaria de la clase 
alta en los primeros tiempos, antes de la invención de la fotografía. 

Pero como introducción hoy quisiera comentar, una casa de muñecas poco conocida,
que demuestra que no son solo un juguete, sino que formo parte de un estudio científico 
forense

Sra. GLESSNER

Procedente de una acaudalada familia de Chicago y que por las restricciones impuestas 

por su familia no pudo ingresar a la universidad sino hasta 1930, cuando contaba con 52 

años, es a partir de allí que comienza una carrera que la lleva desde colaborar en la 
creación del departamento de ciencias forenses de la universidad de Harvard hasta 
convertirla en capitán honoraria del departamento de Policía de New Hampshire,  siendo 
la primera mujer en ostentar dicho título en Estados Unidos.

La señora Glessner no sería sino otra de las tantas historias de superación que existen en 
todo el mundo de no ser por sus dos aficiones: las casas de muñecas y la ciencia forense 
las cuales ella decide combinar, es así como aproximadamente en 1943 crea una nueva 
manifestación de arte “Los asesinatos en cáscara de nuez”

Su trabajo consistente en una serie de 18 dioramas que representan la escena de 
crímenes en ese entonces sin resolver y cuyo propósito fundamental era enseñar a 
los investigadores a hacer una minuciosa observación de todos y cada uno de las 
cosas que se encontraban en los escenarios de los sucesos; de allí que en dicho trabajo 
sea posible observar hasta los más escabrosos detalles del ámbito en que éste sucedió, 
ello unido al hecho que para su elaboración utilizó cáscaras de nuez añade un realismo, 
a estas “casas de muñecas”

Así mismo para garantizar la exactitud de los detalles contó con colaboradores entre los 
que se contaban la compañía Tvnie Toy, tejedoras, carpinteros y cerrajeros entre otros.

En ellas es posible observar desde las condiciones en que fue encontrada la victima hasta 
detalles como patatas a medio pelar, botellas quebradas, cigarrillos a medio terminar, y 
todo lo que podamos y no podamos imaginar.


La perfección de estos diseños fue tal que de todos los reconstruidos por la señora Glessner solamente cinco no lograron ser resueltos.


Después que se cerró el laboratorio de ciencias forenses de Harvard la colección fue 
trasladada Maryland, Baltimore por el Dr. Russell Fisher en donde es usada hasta hoy día 
en seminarios de ciencia forense.

MUSEO DE LAS CASAS DE LAS MUÑECAS DE MALAGA ESPAÑA

Hasta pronto.

  

LA FOTOGRAFÍA DE CARL WARNER Y MATEO ALBANESE

Carl Warner y Mateo Albanese   son unos maestros de la fotografía y de los escenarios, 
sucede que de niños jugaban con hacerlos, como juegan tantos niños, solo que ellos no abandonaron a su niño, y siguen haciéndolo.

CARL WARNER nació en Liverpool, Inglaterra en 1963

A la edad de siete años se trasladó a Kent con sus padres y como hijo único pasaba horas 
en su habitación escuchando música, el dibujo y la creación de mundos de su imaginación, inspirada en los carteles en sus paredes de artistas como Salvador Dalí

y Patrick Woodroofe 

y los diseños de la manga récord de Roger Deán.

Carl comenzó su carrera por ir a la escuela de arte con el fin de convertirse en un 

ilustrador pues él tenía un talento para el dibujo pero rápidamente descubrieron que 
sus ideas y ojo creativo, que fuera mejor que se adaptase a la fotografía como un medio  
más emocionante en el que trabajar.

El fotógrafo Carl Warner utiliza pedazos de alimentos para crear escenas increíblemente 

realistas y complejas. Con un montón de pan se hacen montañas escarpadas, pepinos 

asumen la forma de troncos de árboles y hojas de col son remodelada para parecerse 

follaje.

Warner y su equipo meticulosamente recopilan los elementos de  pieza culinaria por parte, 
sobre una mesa de la creación de las interpretaciones de las estructuras arquitectónicas 
de renombre.

Como el Taj Mahal 

y la Gran Muralla de China, figuras humanas que van desde los conductores góndola a los vaqueros, y las vistas panorámicas que van desde la London Skyline a vastos desiertos.

En la actualidad también se sirve de otros materiales

MATEO ALBANESE

La fascinación de Mateo Albanese con el cine, efectos especiales y la magia, y de sus

mecanismos. comenzó temprano detrás de estas ilusiones.

Nacido en el norte de Nueva Jersey en 1983, Albanese pasó una infancia itinerante 

moviéndose entre Nueva Jersey y el estado de Nueva York. 

Hijo único, Albanese disfrutó de una gran imaginativa, juego en solitario. 

Amaba las miniaturas y creaba escenarios intrincado conjunto con objetos de la casa 

Después de obtener una licenciatura en Bellas Artes en Fotografía en la Universidad 

Estatal de Nueva York,  Albanese trabajó como fotógrafo de modas.

En 2008, un bote derramado de pimentón le inspiró para crear su primer mini paisaje
de Marte.

Para realizar sus obras trabaja con piel, algodón, estropajos y materiales encontrados.

En 2011, Albanese fue invitado a mostrar en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York.

Su trabajo también ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Virginia, 
Winkleman Gallery, y Muba, Tourcoing Francia. 
Mateo es representado en Bonni Benrubi Gallery de Nueva York.

Hasta pronto.

DALÍ Y LA ESPALDA DE GALA " LA HISTORIA "

Pocos personajes en la historia han sido tan sorprendentes, geniales, escatológicos 
y todos los adjetivos que uno quiera ponerle como SALVADOR DALÍ.

Esta es la historia de la espalda de GALA, que el pintor, durante cincuenta años, 
periódicamente pinto.

En el verano de 1929, Dalí invitó a algunos miembros del círculo surrealista,René Magrite, 
Camille Goemans, Paul Eluard y sus respectivas mujeres, a su casa de Cadaqués.

En aquella época Gala era la pareja del poeta Paul Eluard.

Gala llegó cansada y malhumorada y la primera impresión que se llevó de Dalí es que se 
trataba de un  desequilibrado.
Ya desde un principio la reacción de Dalí  fue completamente anómala: cada vez que 
intentaba dirigirse a Gala le invadía un frenético ataque de risa.

Esa primera noche, Dalí estuvo realmente insoportable con sus comentarios escatológicos 
y la discusión se orientó hacia la oportunidad de colocar unos excrementos en una tela 
que estaba elaborando, "El juego lúgubre".

El pintor vestía una blusa diseñada por él, a juego con un gigantesco collar de perlas 
falsas y una pulsera de dudoso gusto. Dalí dijo que vestía de "chica soltera".
Gala se sintió asqueada por la discusión y, mucho más, por la risa histérica del pintor.

Al día siguiente el pintor se levantó dispuesto a dar una lección de surrealismo vivido; 
se afeitó las axilas hasta sangrar, secó la herida con azulete de planchar; se puso unos 
pantalones vueltos del revés y una camisa cortada para mostrar el ombligo y los pezones; finalmente, se untó con excremento de cabra, mezclado con gelatina y cola de pescado, desprendiendo un olor insoportable; completó su esperpéntico aspecto con una flor de 
geranio colgando sobre la oreja.

Antes de salir de la habitación, él mismo lo conto, miró por la ventana y a lo lejos, vió la 
espalda desnuda de Gala e inmediatamente quedó prendado por ella; esa misma espalda 
es la que luego, durante cincuenta años, periódicamente fue llevando al lienzo.

Hasta pronto.

  

LA TEORÍA DE GESTALT Y EL ARTE DE GIUSEPPE ARCIMBOLDO Y OCTAVIO OCAMPO

GIUSEPPE ARCIMBOLDO

Milán 1527 - ibídem; 11 de julio de 1593), fue un pintor italiano, conocido sobre todo 
por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos.

Pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo 
el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Un proceso cercano 
a la anamorfosis en el contexto de las ilusiones ópticas.

Después de 400 años nacería LA TEORÍA DE GESTALT 

La Psicología de la Gestalt (o Psicología de la Forma) es una corriente de la psicología 

moderna, surgida en Alemania a principios del siglo XX, y cuyos exponentes más 

reconocidos han sido los teóricos Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y 

Kurt Lewin.

La mente configura, a través de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a través 

de los canales sensoriales (percepción) o de la memoria (pensamiento, inteligencia y 
resolución de problemas).

En nuestra experiencia del medio ambiente, esta configuración tiene un carácter primario 
por sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos, por tanto, a la comprensión del funcionamiento mental. 
Este planteamiento se ilustra con el axioma: El todo es mayor que la suma de sus partes, 
con el cual se ha identificado con mayor frecuencia a esta escuela psicológica.

Con ello pretende explicar que la organización básica de cuanto percibimos está en 
relación de una figura en la que nos concentramos, que a su vez es parte de un fondo más 
amplio, donde hay otras formas, o sea, todo lo percibido es mucho más que información 
llegada a los sentidos. 

Uno de los grandes artistas actuales que nos puede hacer comprender mejor dicha teoría
es OCTAVIO OCAMPO

Nació en Celaya, Guanajuato, en 1943. Es un pintor y escultor mexicano conocido por 
su pintura metamórfica.

Estudió en la escuela de pintura y escultura (La Esmeralda) Bellas Artes 
( 1961 – 1965 ) y en el San Francisco Art Institute, de San Francisco, California 
(1972–1974).

Ha realizó la escenografía de más de 120 películas mexicanas y estadounidenses, así 

como los diseños para numerosas obras de teatro.

Ha participado en exposiciones individuales en México, Estados Unidos, Canadá, 

Latinoamérica, Europa y Medio Oriente; así como en gran número de colectivas 

alrededor del mundo.

Ha realizado retratos biográficos con su peculiar estilo “metamórfico”

Su obra forma parte de importantes colecciones como: Instituto Nacional de Bellas 

Artes México, Jimmy Carter Museum Atlanta GA., Museo Reina Sofía de Madrid, 

Jane Fonda Collection.

Ocampo es también un excelente muralista. Su obra se encuentra en importantes edificios 

como el Palacio Nacional de México, la Presidencia Municipal, Instituto Tecnológico de 

Celaya, Grossenbacher Oil Co.Harlingen, Tx y la Casa de gobierno de Guanajuato, Gto.

Gracias al arte de GIUSEPPE ARCIMBOLDO Y OCTAVIO OCAMPO, se entiende

un poco mejor lo de " LA TEORÍA DE GESTALT ".

Hasta pronto. 

EN MEMORIA DE MAY ALICE SAVIDGE

MAY ALICE SAVIDGE nació en Streatham, al sur de Londres, en 1911.

Admiramos las grandes obras faraónicas como las PIRAMIDES DE EJIPTO

Consideradas como una de las 7 maravillas del mundo. Y yo me digo, ? y por que no
este Bed & Breakfast  ingles se puede considerar como una maravilla arquitectónica ¿

  
El hombre para preservar sus edificios históricos  es capaz de mover el edificio entero 
y trasladarlo.

Un edificio histórico ubicado en la avenida Nueva York fue trasladado para hacer una 
nueva construcción. Un equipo de expertos hace el movimiento cerca a la 4 avenida que 
es una de las estructuras más grandes en el DC para ser movido.

Otros monumentos para preservarlos de su destrucción son desmontados pieza a pieza.

Aunque parezca mentira, en pleno centro de Madrid hay una auténtica joya del arte 
egipcio. El Templo de Debod.
Forma parte del conjunto de obras artísticas que se trasladaron desde Egipto a numerosas ciudades de todo el mundo, con el fin de preservar unos edificios que, de lo contrario, 
abrían quedado sumergidos bajo el actual lago de Assuán.

el Templo de Debod fue un regalo del gobierno de Egipto a España, por ayudarles en las 
obras del traslado de los Templos de Nubia. Pero España no fue ni mucho menos el único 
país que recibió algo del antiguo Egipto: Hasta Nueva York viajó, en 1968, el templo de 
Dendur. En los Países Bajos se instaló el templo de Taffa, en 1971; y en 1966 dos pequeños templos, el de Lesiya y Lamayarin; fueron respectivamente a Turín y Nueva Selua.

MAY ALICE SAVIDGE, no tenia un estudio de arquitectos, sus únicas herramientas fueron.
EL VALOR, EL DESEO, SUS MANOS Y MUCHO AMOR, en su obra faraónica. 
Que duro más de 23 años.

May Alice Savidge nació en Streatham, al sur de Londres, en 1911. De orígenes humildes 
tuvo que sacar a su familia adelante con tan solo diez años cuando su padre falleció 
víctima de un infarto fulminante. May acabó como empleada precoz en una fábrica de 
producción aeronáutica.
La prodigiosa vida de May, madura por ‘golpes de vida y de miseria’, está llena de 
capítulos sorprendentes. 
Pero uno marcaría si destino. A los dieciséis años conoce al amor de su vida; 
Denis Watson, un talentoso actor ‘Shakespeariano’ con el que planea casarse en 1938. 
Su prematura muerte frustra sus planes. 

En 1947, retirada y aún de duelo eterno por la muerte de Denis Watson, May compra una 
casa en Hertfordshire para restaurarla y convertirla en el hogar que siempre quiso 
compartir con Denis. El número uno de la calle Mono Row era una construcción de época, típicamente inglesa y levantada en 1450 por unos monjes adinerados siguiendo la tradición medieval de salones abiertos a galería acristalada.

La casa estaba medio ruinosa y May decidió invertir todos sus esfuerzos, y su escaso 
dinero, en su restauración. 
Las pocas libras con las que contaba las invirtió en materia prima y en un constructor 
que le arreglara allí donde su menuda estatura le impedía llegar: la maltrecha cubierta.
El resto (trabajos de carpintería, yeso, ladrillos, piedras etc… ) los hizo ella con sus propias 
manos y con el tiempo que le regalaba su eterna soledad. 
En 1953, después de 6 años de trabajo, May terminó de adecentar su hogar. 
El orgullo de un trabajo labrado con sus manos hacía de aquella casa un espacio 
inviolable, una posesión eterna, fruto del esfuerzo y del duelo a su amor muerto.

Pero estaba por llegar el mayor de sus problemas. 
En la primavera de aquel año las autoridades del condado aprobaron un proyecto para 
remodelar los accesos del pueblo. La carretera pasaba por mitad de la parcela de May 
y habría que expropiar y derruir su hogar. Quince años de papeleo y lucha encarnada 
contra el consejo municipal fueron insuficientes.

La derrota no hundió a May.Con 60 años decidió trasladar pieza a pieza su vivienda. 

“No pienso perder esta maravillosa casa; mi casa. Si realmente consideran que esta es 
sólo una vivienda en medio del camino, la moveré y la volveré a erigir antes que verla 
destruida”.

En 1969 las excavadoras llegaron a la puerta de su casa, el proyecto de May ya había 
comenzado. Había numerado todas y cada una de las vigas, piedras, pilares y tejas para su posterior identificación y re-ensamblado como rompecabezas gigante. El esfuerzo generó la compasión del equipo de demolición, que ayudó a May a desmontar más cuidadosamente la poderosa estructura de madera de la cubierta.

Con grasa y con pinturas de colores infantiles, May catalogaba y clasificaba todas las 
piezas de la casa a lo largo de la parte de la parcela no expropiada. Conforme desmontaba 
su casa, las noches se hacían más frías y descubiertas porque May seguía viviendo en el esqueleto de lo que fue su casa.

Poco a poco la historia traspasó fronteras y corrió la voz por condados vecinos. 
Algunos turistas que pasaban ayudaban a May con su tiempo o sus donaciones, lo que 
le permitía sobrevivir y comprar lo imprescindible. May estuvo mucho tiempo buscando 
terreno para reconstruir su casa.

 Encontró un solar en la cercana ciudad costera de Wells Next The Sea, en Norfolk, y 
obtuvo el permiso de planificación para sentar las bases de su nuevo hogar. 
Una pequeña camioneta e infinitos trayectos hicieron de la mudanza una de las más largas 
de la historia. 23 años moviendo piedras.

Durante el eterno traslado, las condiciones de May fueron de auténtica penuria. 
Sin electricidad, ni agua corriente se tenía que conformar con lámparas de parafina. 
Un pequeño reloj servía como cronómetro para contar las vigas y piezas que tenía que 
extraer cada día, ordenando plazos y objetivos de trabajo.


Una pequeña y vieja caravana abandonada servía ahora de refugio para el descanso. 
En 1973 ya tenía levantado los cimientos y el zócalo de ladrillo de la nueva casa. 
Pero no fue hasta 1981 cuando logró cubrir aguas y colocar las viejas tejas. 
Fue el momento, en su 70 cumpleaños, de trasladarse a su nuevo (viejo) hogar.

En 1986 la mismísima Reina de Inglaterra, reconociendo todo el trabajo y esfuerzo 

desplegado, invitó a May Alice Savidge al Palacio de Buckingham en recepción oficial. 

A pesar de su edad, con 76 años seguía encaramada a unos andamios provisionales para 

terminar las ventanas del bajo-cubierta y el enfoscado de fachada.

En 1992 pudo instalar una pequeña estufa de leña para calentar la construcción. 

May murió ese mismo año, justo antes de cumplir los 82 años, con la casa prácticamente terminada.

Su sobrina y heredera Christine Adams, ha recopilado más de 500 cartas, diarios y 

escritos que su tía hizo durante los 23 años de reconstrucción para contar los pormenores 

y sinsabores de esta fantástica historia. Actualmente la casa es un Bed & Breakfast 

regentado por Christine.

En el arte se dice que la modestia, es la virtud del medio ocre. pero este no es el caso

de  MAY ALICE SAVIDGE

Hasta pronto.